Se você está procurando um jeito de chamar mais atenção para elementos cruciais em seu enquadramento, ou está cansado da regra dos terços, a razão de Fibonacci é a saída. Veja o vídeo abaixo e surpreenda-se com esta razão (requer saber inglês):

www.youtube.com/watch?v=gKzcDZswj5A

A razão de Fibonacci, também conhecida como a “razão divina”, é uma espécie de matriz da natureza, pois ela está presente em inúmeros elementos criados, como por exemplo a espiral de uma concha.

Tá, mas o que esse lero-lero tem a ver?

Ué, basta colocá-la para compor suas fotos! Quando aplicada no enquadramento da fotografia, essa razão surte efeitos esteticamente agradáveis. Assim como a regra dos terços, funciona como um imã para que os olhos dos observadores sejam automaticamente guiados para onde você quer. Onde a regra dos terços diz que o enquadramento deve ser divido em 3 partes iguais, ou seja: 1:1:1, a razão de Fibonacci diz que este ponto chave, deve concentrar-se na proporção 1:0.618:1, e assim sucessivamente. Veja a imagem abaixo que você certamente entenderá melhor onde deve colocar o ponto chave do seu enquadramento.

Caso queira saber mais sobre o assunto, veja este link :)

O Lightroom tem um pulo do gato pra te ajudar a fazer os enquadramentos usando este método. Basta apertar a tecla “O” no modo de crop para que o grid alterne para a razão de Fibonacci.

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Hoje me deu na telha de fazer uma foto que sempre tive vontade de fazer, mas nunca tinha conseguido por diversos empecilhos, pois o processo é um pouco complexo e requer MUITA paciência (caso queira aprender como se faz, continue lendo).

Na verdade, eu já tinha conseguido anteriormente uma foto parecida, mas confesso que foi na cagada sorte. Dessa vez foi com objetivo, peguei uma foto, botei atrás de cabeça pra baixo, e depois de meia hora nasceu:

Como toda foto ténica, em primeiro lugar, você precisará dos seguintes ingredientes (a maioria obrigatório):

1. Uma lente macro;
2. Muita luz natural, ou um flash externo;
3. Tripé;
4. Disparador (ajuda muito, mas não é requisito);
5. Paciência;
6. Paciência;
7. Paciência;
8. Uma fonte de gota uniforme (qualquer torneira, mas um conta-gotas com água misturada com glicerina ajuda muito);
9. Um pouquinho mais de paciência;
10. Um plano de fundo de tamanho compatível com seu enquadramento.

Nem precisa comentar que o foco da sua lente deve estar ajustado para o modo manual, pois as gotas passam muito rápido para você tentar focar, então uma dica que eu dou é abrir o fluxo de água para uma estabilidade corrente para que você faça o foco em paz, como indica a foto acima; depois que o foco estiver feito, deixa a câmera paradinha e sai disparando!

Repare que as gotas estão em FOCO, mas estão TREMIDAS, estas são características DISTINTAS. Uma foto sem foco está fora de foco, uma foto tremida está com a velocidade alta demais, geralmente evidenciada por um “rastro”; domine essa diferença e você saberá melhor como consertar o que está faltando para atingir um determinado objetivo. No caso aí eu estava usando 1/400, acabei passando pra 1/2000, pra “congelar” a gota!

Como eu disse: tentativa, erro e ajustes, mas também não podemos sair clicando no foda-se e achar que a foto vai aparecer como o santo Graal. O segredo é ir fotografando e observando o resultado, e com isso tentar descobrir o porquê da foto não estar saindo como você dejesa, por aí então ir acertando para chegar a uma posição confortável, onde você tenha que depender somente da queda da gota.

Como esta é uma foto que embora não pareça, é composta por vários elementos, existem algumas variáveis que provavelmente você terá que dominar caso queira atingir uma foto boa, são elas:

1. O fluxo de saída das gotas: geralmente eu faço usando a torneira, pelo fato desta permanecer imóvel. Isso ajuda muito, porque uma vez que você configura posição da câmera, é só clicar sem se preocupar com composição;
2. A posição entre os fatores “Câmera”, “Gotas”  e “Plano de Fundo”. O plano de fundo não deve estar muito longe (max 10cm) das gotas, e é bom que a lente fique a uns 6cm das gotas;
3. O plano de fundo deve estar originalmente de cabeça para baixo, pois a gota fará uma lente convexa, que tem por propriedade inverter o vetor de feixes de luz incidentes. Em outras palavras: a gota bota de cabeça pra cima;
4. Velocidade do obturador: deve ser baixíssima, pois as gotas andam mais rápido do que nós pensamos: velocidades entre 1/1200 e 1/2500 são altamente recomendadas;
5. ISO: se sua câmera não abrir o bico, ISO600 geralmente é um bom coeficiente;
6. Diafragma: embora pareça, o mesmo não deve ficar muito aberto. Valores entre f/5.6 e f/8 são recomendados, pois a lente macro já se encarrega de fazer um belo DoF;

O objetivo final é dominar estas variávels, de forma que você  configure todo o ambiente, e fique dependendo somente do movimento das gotas, que é uma espécie de modelo inquieta :)

Conseguiu? Bote nos comentários a sua foto que eu posso comentar também dando minha opinião sobre ela :)

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Também conhecido como “Line Scan”, o Rolling Shutter é um fenômeno que acontece nas câmeras que possuem sensores CMOS que deixam a imagem com um aspecto “molenga”, tipo essa ó (veja a imagem, mas continue lendo):

Repare que um lado contém uma pá gigante, o outro contém pás pequeninas, pois o ventilador gira as pás em um determinado sentido, onde se traçarmos um eixo y no meio dele, temos duas direções antagônicas, uma para cima e outra para baixo, ou seja: uma acompanhando o sentido da leitura do sensor e outra indo a contra ele, isso explica essa imagem.

Isso ocorre porque a imagem é não é registrada no sensor de uma só vez, ela é “escaneada” de cima para baixo (isso acontece muito rápido, é coisa de nanosegundos), porém quando o assunto fotografado sofre mudanças muito rápidas (acontece mais com filmagens), o sensor lê a imagem de cima para baixo e enquanto isso está acontecendo, o assunto da imagem movimenta-se num tempo maior ou igual à esse tempo de leitura, o que faz com que o movimento seja “acompanhado” pelo leitor, fazendo com que esse registre de forma irregular.

Existem softwares que trabalham como plugins para aplicativos como Adobe Premiere e Apple Final Cut que eliminam o desagradável rolling shutter, analisando o vídeo e fazendo as devidas alterações. O rolling shutter é tão desagradável que causa a estranha sensação de tremor do vídeo, então esses plugins geralmente acompanham uma cereja no sundae, que é um estabilizador de imagem. Um deles é o “Rolling Shutter” (é o nome do produto), da Foundry, veja o vídeo de demonstração pra entender como funciona a correção:

www.youtube.com/watch?v=Zt0u9hsPuZY

Cada câmera possui uma velocidade de leitura diferente do sensor, alguns são tão lentos (como o iPhone4 por exemplo) que chegam a registrar algumas cenas bizarras, como o vídeo abaixo, é tudo culpa do rolling shutter!

www.youtube.com/watch?v=ltMPMz37VPk

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De uns tempos pra cá, quando adquiri uma câmera que também filma com qualidade, tenho tido uma outra visão sobre os filmes que assisto. Reparo mais no modo de filmagem, no som, na iluminação, e estudo muito sobre o assunto quando chego em casa. Ontem foi a vez do Cisne Negro (Black Swan) no Cinemark, do diretor Darren Aronofsky (também diretor de Requiem for a Dream – o filme com mais tomadas do mundo). Fique tranquilo, pois não estou aqui para contar história nenhuma, pode continuar lendo sem preocupação com spoilers.

O filme começa com uma cena da bailarina – interpretada por Natalie Portman, Nina – dançando sob uma luz branca lateral vindo da esquerda que preenche de num fundo preto, é incrívelmente bem executado; a câmera filmando os movimentos de perto, nos detalhes, deixa a cena ainda mais bela, é muito interessante. A iluminação do filme é impecável! Há momentos em que fica somente um crepúsculo que passa bem a noção da história.

Há também frequentemente o uso de câmera na mão, confesso que no início fiquei um pouco irritado com a imagem tremida que isso proporciona, mas depois que fui tomado pela história acostumei, porque isso faz parte da trama.

Como trata-se de um filme de dança, o cenário muitas vezes é parecido com uma academia, onde existe aquela barra próxima ao espelho; e quando isso ocorre, é explorada a imagem frontal através do espelho: óbvio que eu fiquei procurando o cinegrafista, mas de jeito nenhum consegue-se ver o câmera (é Hollywood, Rafael…); cheguei a desconfiar de que aquilo não era um espelho, e sim um enorme pano verde (chroma key) onde existia uma câmera filmando por trás pra depois botar a imagem ali.

Como Bokehs e ballet tem tudo a ver, e o diretor explorou isso de uma maneira incrível. Além de ter um enredo maravilhoso, o filme possui uma direção de fotografia excelente. Adorei tudo, desde o enredo até os detalhes da execução!

www.youtube.com/watch?v=5jaI1XOB-bs

Para ver as críticas profissionais d’O Globo, clique neste link.

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Já falei anteriormente sobre White Balance, fotografia de show e formato RAW; agora escrevo algumas receitas de bolo que podem ser úteis quando você for fazer fotografias de shows e músicas ao vivo, aqui vão elas:

1. Se o show fizer parte de um festival de música, ou for na rua, ou em algum espaço aberto, é interessante obter dos organizadores do espetáculo, uma autorização para fazer as fotos. Se o evento for organizado e a equipe competente (isso lhe inclui), você pode até conseguir uma credencial de imprensa que lhe dará mais liberdade para fazer melhores fotos, e às vezes até subir no palco e tirar umas fotos do cantinho;
2. Quanto a técnica: para congelar os movimentos, você precisará usar tempos de obturação rápidos, tente começar com 1/60 e ir diminuindo essa velocidade com o tempo;
3. Músicas ao vivo e shows geralmente acontecem em lugares escuros. Para ter certeza de que suas fotos irão aparecer, tente ir aumentando o ISO aos poucos; comece com ISO400 e vá aumentando conforme sentir necessidade; porém, a não ser que você tenha uma câmera que não gere muito ruído com ISO acima de 1600, evite passar deste valor;
4. Usar um diafragma aberto também vai te ajudar a ter velocidades mais rápidas de obturador, coloque o diafragma para algo bem baixo como 2.8 ou 3.2 e vá aumentando conforme sentir necessidade, se você está fazendo foto de um único músico no palco, f/2.8 está bom, mas se tem mais de um, certifique-se de usar um diafragma mais fechadinho para que eles fiquem em foco. Lembre-se sempre de fazer o foco nos olhos caso for fazer um retrato;
5. Spot Metering!! O spot metering irá te ajudar com os níveis de exposição, visto que há muita diferença de iluminação entre uma área e outra, o average metering mode irá confundir o fotômetro. Caso você não saiba o que é isso de metering mode, clique aqui;
6. Obter a exposição correta para cada foto pode ser uma tarefa desafiadora! Então tenha CERTEZA de que está fotografando em RAW, isso lhe fornecerá uma maior flexibilidade na hora que for consertar algumas fotos no Lightroom;
7. A não ser que você vá fazer seus próprios efeitos de luz (como flash em cortina dupla, stroboscopia flash, etc), ou a luz do local esteja algo TERRÍVEL; NÃO USE FLASH. Isso foi uma coisa que eu de certa forma demorei um pouco pra aprender. O flash muitas vezes detona com os canhões de luz projetados em cima dos artistas, luzes de palco coloridas e todo aquele lindo trabalho que o pessoal da iluminação teve pra fazer. Além do fato que você irá pertubar a platéia e os músicos;
8. Faça alguns testes de fotos durante a passagem de som, tente pedir à equipe de iluminação que acenda as luzes conforme elas irão ficar acesas no show; pois é legal fotografar o início do espetáculo, onde os músicos entram no palco; e não é essa hora que você vai deixar para fazer os testes de ISO, diafragma e tempo de exposição;
9. Tente ficar o mais próximo da frente que você puder. Usar muito zoom em um lugar escuro vai lhe dar trabalho;
10. Se você está no meio da multidão, saia imediatamente dali. Preocupe-se com o que está a sua volta, tente achar um lugar tranquilo para se estabelecer;
11. Às vezes você terá que esperar um tempo para que os músicos movam-se no palco. Tente prever quando eles irão mover-se para uma área mais iluminada, ou então sair de trás do microfone, pois ninguém merece foto com microfone na cara né? Esteja préviamente num ângulo mais lateral nesses casos;
12. Conhecer a música e o show são duas coisas muito importantes: ocasionalmente os músicos fazem coisas especiais em determinadas partes das músicas;
13. Lembre-se que os pontos altos do show geralmente são mais pertos do final, então reserve seu cartão de memória e não saia clicando feito um maluco no início;
14. Fotografar em burst mode (ou modo contínuo) aumenta suas chances de obter sucesso nas poses cantadas, e ajudam a eliminar os famosos “biquinhos” dos cantores;
15. Uma lente boa e barata para esse trabalho é a 50mm f/1.8, por causa do f/1.8, que lhe permite usar ISOs menores;

Preste muita atenção, se o cantor se movimentar muito no palco, utilize velocidades mais rápidas no obturador, mas caso queira arriscar a registrar um movimento como esse acima, clique bastante em modo contínuo (burst mode). Jonas Sá

Marlon Sette

Se eu tivesse mandado um flash nessa, eu ia perder essa luz verde, fato. Felipe Pinaud

É interessante também explorar outros ângulos. Paraphernalia

Close-ups também são muito interessantes, mas lembre-se de fazer o foco nos olhos. Felipe Pinaud

Marlon Sette e Alberto Continentino

Veja a dica #12, eu já sabia que ele ia estender a mão, essas fotos foram tiradas em shows diferentes, mas repare que nesse momento eu já estava posicionado! Abaixo: Leandro Joaquim, Felipe Pinaud e Marlon Sette

Fotografar o músico com a platéia ao fundo, ou a platéia olhando o músico também é muito interessante. João Donato

Capriche na edição, faça cut outs e graduated filters para dar algo a mais na foto. Scott Feiner

Brinque com os elementos do palco, que quanto mais melhor! Rafael Vernet

O fotógrafo deve prestar atenção em 100% do show, e não só fotografar os músicos que estão tocando. Alberto Continentino

Lembre-se, conheça a música para saber quando risadas (acima) ou expressões (abaixo) irão acontecer! Joyce e Scott Feiner

Lembre-se do modo burst, não hesite em fotografar continuamente para atingir uma bela expressão. Tereza Costa

Espero que tenham gostado, aproveitem bastante estas dicas, pois são as que eu sempre uso quando vou fazer esse tipo de atividade fotográfica! ENJOY!

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Esse post só prova o quanto a fotografia hoje em dia está ligada à informática. Backup não tem nada a ver com fotografia tradicional (fotômetro e essas coisas), e sim com arquivos digitais; portanto, as informações aqui presentes não servem somente para você backupear suas fotos, mas também todo o conteúdo importante do seu HD. Darei algumas dicas e logo depois falarei como é o meu workflow de backup.

Conforme discutia sobre backup ontem entre amigos; reparei que muitos ainda possuem dúvidas quanto, e a que mais me preocupa é o fato das delas acharem que estão fazendo e não estão. Como isso acontece?

Simples. A grosso modo, existem dois tipos de backup: o físico e o lógico.

• O backup físico é aquele que te protege contra qualquer dano físico que ocorra com seu equipamento, se você guardar seu backup no mesmo disco operacional, você não está fazendo backup; pois se esse disco quebrar, já era…
• O backup lógico é aquele que te protege contra coisas que você faz conscientemente, porém obviamente sem querer. Por exemplo: fazer backup de um arquivo de catálogo do Lightroom corrompido. Se você faz um backup de um arquivo corrompido, você tem um backup corrompido, ou seja: não tem backup.

Para evitarmos esses dois tipos de aborrecimento, temos sempre que copiar os dados para outro local e verificar a integridade deles, e isso é chato mesmo. Mas para isso preparei alguns pontos importantes a respeito de backups! Como diria a empresa Verbatim: “don’t be fool, backup is cool“.

1. A definição de backup: backup significa CÓPIA de segurança, como o próprio nome diz, é uma cópia. Você deve ter a mesma informação guardada em dois ou mais lugares diferentes. Se você joga todas as fotos para um hd externo e apaga do seu hd operacional, isso não é backup; pois se acontecer alguma coisa com esse hd externo, tchau arquivos.
2. Particionar o disco e fazer backup na outra partição é burrice, não faça isso. Porque se acontecer alguma coisa com seu hd, tchau arquivos.
3. Se você é usuário Mac, utilize um HD externo e use imediatamente o Time Machine, não existe nenhuma ferramenta de backup melhor que esta. Ao utilizar o Time Machine corretamente, todos os seus problemas de backup estão resolvidos. Seus arquivos dirão OLÁ!!
4. Se você é usuário Windows, também utilize um HD externo, e pra funcionar legal recomendo um software chamado Cobian Backup, que sincroniza determinadas pastas automaticamente com um hd externo de acordo com o agendamento que você configurar.
5. Não utilize CDS nem DVDS, esse negócio de fazer backup em dvd e guardar na meia logo depois que descarrega o cartão, chama-se neurose. Faça o que você tem que fazer e depois grave tudo num hd externo. Dentre outros tantos fatores que posso citar, acho que o mais convincente é: dvds arranham, mofam, apodrecem e descascam; e caso isso aconteça, seus arquivos falam assim pra você: “f01 um praz3r in3n4rráv…”. Pimba, lascou-se (literalmente).
   
6. Caso você viaje, não ande com o seus hds de backup na mesma mala, porque motivos óbvios, se acontecer algo com a mala, os arquivos vão junto dizendo um coletivo tchaaaaaauuuu.
7. Esqueça pendrive e hds online (tipo dropbox e outros serviços de backup online), pois são lentos e não são feitos para isso.

Meu fluxo de backup:

1. iMac com time machine (HD de 1TB), com 500GB configurado pro iMac e 500GB configurado pro Macbook
2. Macbook com time machine (outro HD de 1TB), com 500GB configurado pro Macbook e 500GB configurado pro iMac
3. Com isso eu tenho todas as informações replicadas em 2 lugares. Por exemplo: as informações do macbook estão no macbook propriamente dito, no HD externo do macbook e no HD externo do iMac. Que tríplice!

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