Esse post só prova o quanto a fotografia hoje em dia está ligada à informática. Backup não tem nada a ver com fotografia tradicional (fotômetro e essas coisas), e sim com arquivos digitais; portanto, as informações aqui presentes não servem somente para você backupear suas fotos, mas também todo o conteúdo importante do seu HD. Darei algumas dicas e logo depois falarei como é o meu workflow de backup.

Conforme discutia sobre backup ontem entre amigos; reparei que muitos ainda possuem dúvidas quanto, e a que mais me preocupa é o fato das delas acharem que estão fazendo e não estão. Como isso acontece?

Simples. A grosso modo, existem dois tipos de backup: o físico e o lógico.

• O backup físico é aquele que te protege contra qualquer dano físico que ocorra com seu equipamento, se você guardar seu backup no mesmo disco operacional, você não está fazendo backup; pois se esse disco quebrar, já era…
• O backup lógico é aquele que te protege contra coisas que você faz conscientemente, porém obviamente sem querer. Por exemplo: fazer backup de um arquivo de catálogo do Lightroom corrompido. Se você faz um backup de um arquivo corrompido, você tem um backup corrompido, ou seja: não tem backup.

Para evitarmos esses dois tipos de aborrecimento, temos sempre que copiar os dados para outro local e verificar a integridade deles, e isso é chato mesmo. Mas para isso preparei alguns pontos importantes a respeito de backups! Como diria a empresa Verbatim: “don’t be fool, backup is cool“.

1. A definição de backup: backup significa CÓPIA de segurança, como o próprio nome diz, é uma cópia. Você deve ter a mesma informação guardada em dois ou mais lugares diferentes. Se você joga todas as fotos para um hd externo e apaga do seu hd operacional, isso não é backup; pois se acontecer alguma coisa com esse hd externo, tchau arquivos.
2. Particionar o disco e fazer backup na outra partição é burrice, não faça isso. Porque se acontecer alguma coisa com seu hd, tchau arquivos.
3. Se você é usuário Mac, utilize um HD externo e use imediatamente o Time Machine, não existe nenhuma ferramenta de backup melhor que esta. Ao utilizar o Time Machine corretamente, todos os seus problemas de backup estão resolvidos. Seus arquivos dirão OLÁ!!
4. Se você é usuário Windows, também utilize um HD externo, e pra funcionar legal recomendo um software chamado Cobian Backup, que sincroniza determinadas pastas automaticamente com um hd externo de acordo com o agendamento que você configurar.
5. Não utilize CDS nem DVDS, esse negócio de fazer backup em dvd e guardar na meia logo depois que descarrega o cartão, chama-se neurose. Faça o que você tem que fazer e depois grave tudo num hd externo. Dentre outros tantos fatores que posso citar, acho que o mais convincente é: dvds arranham, mofam, apodrecem e descascam; e caso isso aconteça, seus arquivos falam assim pra você: “f01 um praz3r in3n4rráv…”. Pimba, lascou-se (literalmente).
   
6. Caso você viaje, não ande com o seus hds de backup na mesma mala, porque motivos óbvios, se acontecer algo com a mala, os arquivos vão junto dizendo um coletivo tchaaaaaauuuu.
7. Esqueça pendrive e hds online (tipo dropbox e outros serviços de backup online), pois são lentos e não são feitos para isso.

Meu fluxo de backup:

1. iMac com time machine (HD de 1TB), com 500GB configurado pro iMac e 500GB configurado pro Macbook
2. Macbook com time machine (outro HD de 1TB), com 500GB configurado pro Macbook e 500GB configurado pro iMac
3. Com isso eu tenho todas as informações replicadas em 2 lugares. Por exemplo: as informações do macbook estão no macbook propriamente dito, no HD externo do macbook e no HD externo do iMac. Que tríplice!

Começo com a seguinte premissa: fotografar pratos é diferente de fotografar comida.

Quando o assunto é comida gosto de dar preferência aos close-ups e diafragmas mais abertos para fazer um curto DoF. Quando o assunto são pratos, prefiro fazer o oposto. Formulei então 10 dicas que podem ajudar ao fotografar pratos de comida em um ambiente o qual as condições fotográficas não são muito favoráveis – o restaurante; pois a maioria deles não possui um estúdio de fotografia nos fundos, assim como geralmente não dispõe de uma iluminação muito adequada – visto que usaremos diafragmas  bem fechados. Também não existe a possibilidade de você pegar o prato e levar no estúdio, o máximo que você pode tentar fazer quanto à isso é levar sua lightbox para o local, mas como não temos cão, caçaremos com gato! Mãos à obra!

1. Feche o diafragma: trabalhe com f/7+ para que todos os elementos do prato fiquem com nitidez, principalmente quando for fotografar um prato em perspectiva, e não de cima; as fotos devem ser bem iluminadas, porém não prostitua o ISO, o qual não deve passar de 320;
2. Se for usar flash, cuidado para não estourar o arroz/coisas brancas. Nesse caso, tente usar um difusor, se não adiantar, aponte o flash para um rebatedor branco;
3. Cuidado com molhos que vão em cima de carnes e frangos, quando for colocá-los não cubra tudo, ou não dará a impressão de que é carne com molho, e sim parmeggiana;
4. Se todos os pratos saírem ao mesmo tempo, os que possuem tais molhos devem ser fotografados primeiro, ou o molho ficará com um aspecto seco, como um strogonoff velho;
5. Use pimenta do reino, ou uma salsinha picada ao redor do prato para dar um plus, verde é sempre bem vindo;
6. Quanto ao fundo/composição, tente adaptar cores mais escuras para comidas quentes (toalha preta com prato branco, por exemplo), e use cores mais claras (toalha branca no prato branco) para fotografar peixes, saladas e comidas mais lights, a composição é muito importante nesse caso;
7. Convide o observador a comer, inclua em sua foto os talheres e uma bebida, colocando a mesma no lado direito, não esqueça de usar talheres de peixe se for o caso;
8. No Lightroom, quando houver algum elemento laranja no prato, vá no “Colors” e reduza um pouco a intensidade, o suficiente para balancear com os outros elementos, se houver verde (como brócolis por exemplo) faça o mesmo;
9. Caso a sombra do prato lhe preocupe, utilize uma toalha escura para que esta fique camuflada;
10. No Lightroom, vignettes são muito bem vindos, pois dão valor ao único assunto em foco, o prato. Mas não exagere, a fórmula para dar certo é sempre balancear os elementos para criar uma imagem convidativa e agradável.

Batata frita com filé mignon e arroz a piamontese

Arroz de brócolis, batata de bola noisette e frango com molho de ervas finas

Arroz integral com filé de peixe e legumes salteados

Deu fome?

Cutout é o nome que se dá quando você tem somente um assunto da foto colorido e o resto todo em PB. Hoje irei ensinar como fazer isso de uma maneira muito rápida no Photoshop, somente usando pincéis, máscara e adjustment layer, é muito fácil. Só pelo amor de Deus, a informação contida neste blog deve ser usada para fazer o BEM. Não faça cutout com o buquê da noiva, pois não há coisa mais clichê e brega que isso…

1. Crie um novo Adjustment Layer > Black & White por cima de tudo, pra criar esse layer, clique no quarto botãozinho embaixo do painel de layers
2. Uma máscara branca será criada automaticamente, isso significa que todo o conteúdo do novo layer de ajuste irá aparecer
3. Pegamos então um pincel preto e começamos a pintar em cima da máscara (certifique-se de que a máscara está selecionada, e não o layer), isso fará um “buraco” nela, permitindo que ela não seja executada naquele espaço
4. Pronto, estamos pintando nosso cutout, revelando a cor que tem por trás!

Os passos abaixo são bônus, e dizem respeito à uso das máscaras:

1. Se você for no painel de masks e clicar em Invert, a máscara irá se inverter, e o que está em PB vira colorido e vice versa
2. O controle density configura a densidade da máscara: o quanto ela será transparente
3. O feather deixa a máscara mais rígida ou mais fofinha >_<

Se você mexer na opacidade do adjustment layer, você consegue calibrar a força do ajuste PB em relação ao resto. Caso queira um cutout total, deixe a opacity em 100% que o resto irá ficar em monocromático mesmo, mas se você não quiser totalmente em PB, e somente um pouco mais dessaturado, mexa ali para ajustar tal saturação

Caso fique difícil fazer estas instruções seguindo as etapas, eu fiz um pequeno vídeo para demonstrar, realmente fica mais fácil vendo. Vale lembrar que essa técnica envolve o uso de brushes, e como tudo que envolve brushes, temos um prós e um revés:

• Revés: brushes não possuem PRECISÃO, a não ser que você tenha uma intuos e seja um artista plástico ou seja um MAGO DO MOUSE; caso você queira fazer um cutout mais preciso, como em fios de cabelo, sugiro que utilize uma path tool para fazer as curvas, e depois aplicar à mask.
• Prós: você pode baixar brushes da internet e brincar com os formatos deles!

É isso, espero que gostem do post e do vídeo, bom fim de semana!

Light Painting são aquelas fotos onde aparecem rastros de luzes em forma de desenhos, ou simplesmente abstratas. Costuma-se fazer com tudo que emite luz: visor de celular, lanterna, vagalume, mira laser, vela, lampião e o que mais sua imaginação permitir! É legal também misturar mais de uma forma de luz na mesma foto, mexer com fogo também rola, só tenha cuidado para não ficar um clarão na foto.

Então vamos ao que interessa, o modus operandi: acho que fica mais simples explicar mostrando uma foto e dizendo como eu fiz, no final eu dou algumas dicas. O negócio é bem baseado em tentativa e erro mesmo, pois não tem como prever muito bem um resutado final da coisa a não ser vendo como ficou a foto e fazendo os ajustes para não errar nas próximas. Lembre-se sempre: o tempo é sua prioridade, ao invés de mexer nele, mexa no diafragma ou no ISO.

Velocidade: 30 seg
Diafragma: ƒ/4.5
ISO: 1000
Distância focal: 24mm
Lente: Canon 24-70mm f/2.8 L USM

A regra é clara: sem tripé você não faz nada disso, então arrume um tripé ou um apoio para deixar sua câmera paradinha. O primeiro passo é colocar o modelo no lugar onde ele irá fazer o desenho com a luz e fazer o foco (pelo fato de estar tudo escuro, seu foco automático (AF) não irá funcionar, então peça ao modelo que coloque a luz da lanterna na cara para que você possa focar), depois disso faça um teste: coloque um ISO 320, f/4 e 20″ de exposição. Bata a foto e peça para o modelo fazer um desenho com uma lanterna, necessariamente nesta ordem. Então a paritr daí temos as seguintes opções:

Se ficou muito escuro, você tem duas opções, abrir o diafragma ou aumentar o ISO. Caso você esteja em um cenário bonito (como no caso da minha foto: uma praia) e queira pegar o fundo que não está iluminado, aumente o ISO (você irá pagar o preço da granulação por isso, mas vale a pena), caso você queira manter o fundo todo escuro e só a luz em cena, deixe o ISO e abra mais o diafragma (se estiver em f/4, experimente um f/3.2)

Se ficou muito clara, você deve fazer o contrário do que foi dito acima, simples né? Para uma boa seção de Light Painting, dois fatores são cruciais: muita paciência e um bom “desenhista”.

Dicas (aqui mora a preciosidade do post):

1. Algumas câmeras da Canon possuem uma custom function que deixa as fotos em alta exposição com menos ruído, isso te mata de curiosidade, pois o processamento da foto na câmera fica mais lento (o tempo de processar fica igual ao tempo o qual a foto ficou sendo exposta, por exemplo, se vc usou 5″ de exposição, após esses 5 seg, a câmera irá demorar mais 5 seg pra te mostrar o resultado, é normal intensa atividade no cartão de memória (indicado pelo led) durante este período);
2. Caso hajam duas pessoas em cena, uma para fazer o desenho e outra para posar, a que deve fazer o desenho deve ficar sempre atrás e ter menor altura, além disso, recomenda-se que ela apareca o mínimo possível;
3. Esqueça modo BULB, a não ser que você tenha um cabo disparador, pois ficar com o dedão pressionando o botão é bem cômodo porque você termina a foto junto do desenho, mas se você não tiver um tripé firme, pode dar problema;
4. Peça para que o desenhista te diga mais ou menos quanto tempo ele vai demorar para fazer o desenho, sempre coloque mais 5 segundos em cima do tempo que ele vai te falar;
5. Peça a ele também para te dizer qual o tamanho do desenho que ele pretende fazer, e mande ele se controlar para que ele não se empolgue e escreva uma letra de música do legião urbana em uma única linha, não há nada pior que ter um bom lightpainting pela metade…
6. Quando o foco estiver já feito, coloque sua lente no manual focus para que ela não refaça o foco quando você for tirar a foto, caso contrário, você terá que fazer o foco novamente logo antes de fazer a foto;
7. Essa dica é valiosa: caso o desenhista for escrever, diga a ele para não se importar com o fato de escrever ao contrário, peça para ele escrever normalmente (na câmera vai sair ao contrário, óbvio), mas quando você chegar em casa, abra o Photoshop e dê um “image > flip horizontally” nas fotos — fatalmente se o desenhista for se preocupar em escrever ao contário, ele IRÁ se confundir na hora de escrever o “S” e o “Z“, o que pode embolar o desenho e estragar a escrita.

Como já sabemos, o RAW preserva todas as características que faz com que na hora da edição, a imagem não sofra muito, ok.

Mas uma das melhores coisas, com certeza é a preservação do white balance. Você pode mexer ali e apontar os sliders para valores extremos que não vai ficar defeituoso, pra mim essa é a principal característica.

Quando fotografamos show, não tem jeito. Tem que usar AWB (Auto White Balance), pois conforme as luzes de palco alternam, ou se movimentam – ainda mais aquelas que tem um canhão de luz apontado pra um espelhinho e ele fica mexendo freneticamente – outro esquema de luz é criado. E a luz presente no clic que você bateu agora, certamente já foi embora e não vai mais ser a mesma por um tempinho. Ficar batendo branco é inviável numa situação dessas, ajustar um único perfil de white balance pode ou não ser tiro no pé (você pode acertar todas ou errar todas): então nos resta bater em AWB, e depois fazer os ajustes no Lightroom – não tem jeito saporra, é assim mesmo! Se não tem jeito na hora de tirar a foto, tem jeito na edição, e vou explicar o que fazer numa situação dessas. Você tira fotos de um show, e tem aquela cretina luz vermelha em cima dos músicos que deixam todos eles com cara de pimentão em suas fotos, horrível.

A dica para resolver isso na edição é: observe se tem alguém com uma camiseta branca, pegue o conta-gotas (atalho: W) e clique na camiseta – que é o ponto neutro -, porém certifique-se de que a camiseta não está sob o ponto de alguma luz especular (totalmente estourada) OU com uma luz em cima dela que esteja só nela. O bumbo da bateria (aquela caixa grande que fica de frente pra você) geralmente também é branco, mas eu não gosto muito de tirar o branco por ali porque geralmente ele está em uma área de sombra.

Depois que fizer isso, olhe pra cara das pessoas e veja se está normal, se não estiver, você deve fazer o ajuste fino manualmente mexendo nos sliders de Temp e Tint, faça isso até que o branco esteja corretamente tirado. Quando falo de tirar o branco, obviamente não me refiro a exclusão da cor branca, e sim ajustar o white balance, e se tem uma regra/dica que deve-se SEMPRE seguir é: olhe para a cara das pessoas, lembre como era o tom de pele delas e mantenha o máximo de fidelidade de cor na hora de ajustar – por isso que eu acho importante o próprio fotógrafo editar as próprias fotos, pois ele lembra de como as cores eram no moment0.

Siga estes passos, é muito simples e você pode corrigir tomates verdes fritos fotos de uma maneira muito legal, veja o antes/depois abaixo pra ver como a correcão de white balance melhora sua vida.

White Balance errado, não necessariamente a foto esteja feia, as vezes você quer os tons quentes ou até mesmo por sorte, eles ficam mais agradáveis do que a luz correta que estava lá

Agora sim eu posso falar que é o Bernardo Bosísio na foto, repare a diferença e veja que ficou muito mais profissional

Observação: as vezes você QUER uma foto com o White Balance ERRADO. Não significa necessariamente que a foto com o WB correto seja MELHOR, ou mais bonita; ela simplesmente está com as cores fiéis às originais, nada além disso. Eu mesmo quando tiro foto de paisagem, gosto de dar uma aumentada no Temperature pra deixar a foto mais quente, com mais aspecto de dia ensolarado!

Bokeh é o DoF de bolinha, gente, é difícil de entender isso?

O objetivo desse post é somente explicar a diferença entre o DoF e o Bokeh. Eu já fiz um post explicando o que é DoF, e posteriormente farei outro explicando esmiuçadamente como fazer Bokehs, portanto se você já sabe a diferença entre eles e pretende se aprofundar mais um pouco em cada assunto, sugiro que leia os posts em separado (nota mental: lembrar de colocar o link pro Bokeh aqui quando o post estiver pronto).

Depois desse post você vai saber claramente diferenciar um Bokeh de um simples DoF. O negócio é o seguinte: em ambos os casos você tem um assunto (lembrando que em termos fotográficos, assunto é o “objeto” fotografado) em foco, e o resto em desfoque; é esse desfoque que analisaremos para saber a diferença. Bokeh é um assunto que sempre gera muita polêmica porque uns acham que a bola desfocada do fundo não está grande suficiente para classificar-se como Bokeh, outros já acham que o mínimo desfoque gerando uma pequena bolinha já é um Bokeh. Nas fotos abaixo, eu vou deixar minha opinião sobre a foto: se é um Bokeh ou um DoF. Posso classificar que Bokeh é um estilo de DoF; em outras palavras, todo Bokeh é um DoF, mas a recíproca não é verdadeira.

Quando você usa um diafragma muito aberto pra focar um assunto, o fundo fica em desfoque (duh, isso é DoF), a diferença é que o Bokeh torna as formas puntiformes de luz (forma de ponto luminoso, tipo pisca-pisca de natal) em um formato de bola, isso acontece porque o diafragma da sua lente é um furo (que tende a ser) redondo, então a forma puntiforme de luz pega o formato redondo do seu diafragma e “passa” pro sensor, que registra o desfoque. Veja um exemplo abaixo (as fotos não são minhas):

Bokeh clássico! Vidro molhado em foco e luzes de trânsito, ou da cidade em desfoque, causando um Bokeh violento (guardar essa linguagem, pois usarei abaixo)

Isso tudo é física, mais precisamente ótica (aquilo que você odiava no ensino médio). Ah! Lentes boas para fazer Bokeh são lentes que possuam o diafragma bem aberto e lentes que não sejam tele. Por isso a 50mm f/1.8 (também chamada de cinqüentinha) faz uns bokehs excepcionais! Para que as bolinhas fiquem em um tamanho maiorzinho, elas devem estar a uma distância razoável do assunto e é bom que o diafragma esteja sempre na abertura máxima!

Bônus profissional: isso não é obrigatório, e vai além do conceito; mas bons bokehs geralmente possuem cores agradáveis em seu fundo, pois como a bolinha do desfoque possui um caráter “fofo”, é legal que se use cores em tons pastel para fazê-las. Como falei no início do parágrafo, não é regra, mas visualmente fica mais agradável (foi isso que eu quis dizer com “bokeh violento” na legenda da primeira foto deste post.

Mais fotos para você ver se é DoF ou Bokeh:

Note que nem sempre a bolinha desfocada fica redonda, isso é porque ela pega o formato do diafragma, que no caso não estava na abertura máxima (redondo total) – a lente usada na foto deve ter sido uma f/1.2 na abertura de f/1.8 ou 1.4 ($)

Bokeh é acima de tudo, uma linguagem, lembra o que falei sobre objetos “fofos” e cores em tom pastel? Observe que quando se aplica isso, o resultado fica mais Bokeh do que nunca!

Composições brincando com o fundo são muito bem vindas no mundo do Bokeh, nesse caso dá pra ver claramente que foi usado um pisca-pisca de natal, pois nota-se os fios verdes ao redor das bolas, experimente!

Clássico, tá esperando o que pra pegar a xícara da sua avó e fazer um também?

Isso não é um Bokeh, tá vendo? É um DoF!

Isso também é DoF, o fundo tá desfocado mas não tem os sinais dos pontos luminosos formando agradáveis bolinhas, sacou?

No próximo post postarei o segredo do shaped box, que é o que acontece quando você coloca uma espécie de segundo diafragma na sua lente (veja bem: “uma espécie de segundo diafragma”, pois não tem nada a ver com diafragma) na cinquentinha f/1.8! Espero que tenham gostado do post, qualquer dúvida pode ser postada nos comentários, fiz um outro post com mais exemplos de Bokeh tenha uma boa semana!

Hoje vou ensinar como fazer fotos de splash. Não é tão difícil quanto parece, a única coisa que você tem que acertar é o timing da foto, mas nada que um modo burst (H) não resolva. No geral, é, basta seguir as regras abaixo e depois ver o excelente vídeo com o Gavin Hoey, fazendo tudo direitinho não tem erro! Vamos ao que interessa:

1. Luzes, luzes, luzes, muitas delas, para tirar a foto sem flash, porque geralmente o flash só nos permite trabalhar com a velocidade de 1/200 (pelo menos o meu é assim). Eu acho que usei 1/400;
2. Use um diafragma fechado (você vai precisar de muita luz por isso TAMBÉM), utilize uma caneta para fazer o foco na área da gota;
3. Pegue o foco com o foto automático, depois ponha no foco manual para que a foto seja tirada rapidamente;
4. Muitas tentativas, NÃO DESISTA até que você chegue à uma foto agradável, e lembre-se do erro cometido na foto anterior, não fique simplesmente soltando o objeto a esmo;
5. Há um atraso (delay) entre quando você aperta o botão da câmera e a foto é tirada de fato, então a ordem mais ou menos é: solte o objeto, aperte o botão logo antes do objeto entrar completamente na zona de splash;
6. Se você usar lâmpadas muito quentes, tome ucuidado para que o líquido não encoste nas lâmpadas;
7. Se for iogurte, dilua-o em um pouco de água, se você não fizer isto, o splash vai ficar muito pesado e as gotas em forma de bolinhas não vão voar, vão ficar presas
8. Faça alguns testes soltando o objeto atrás da zona de splash antes, ou irá faltar iogurte na sua geladeira. E não faça com leite, acredite em mim.
9. DIVIRTA-SE !!

Velocidade: 1/400 seg
Diafragma: ƒ/14
ISO: 400
Distância focal: 135mm
Lente: Canon 135mm f/2 L

Agora vejam esse fantástico vídeo no YouTube que exemplifica tudo isso que eu falei, de uma forma mais interativa :)

Na verdade os meus posts de Paraty não tem nada a ver com Paraty, hahaha são posts técnicos como todos os outros! É que aqui, com toda essa energia fotográfica eu fico mais inspirado!

Então: eu prometi que iria falar sobre Light Painting, e não é de ontem que eu prometi isso. Então lá vou eu: Light Painting são aquelas fotos onde aparecem rastros de luzes em forma de desenhos, ou simplesmente abstratas. Costuma-se fazer com tudo que emite luz: visor de celular, lanterna, vagalume, mira laser, vela, lampião e o que mais sua imaginação permitir! É legal também misturar mais de uma forma de luz na mesma foto, mexer com fogo também fica muito legal, só tenha cuidado para não ficar um clarão na foto.

Então vamos ao que interessa, o modus operandi: acho que fica mais simples explicar mostrando uma foto e dizendo como eu fiz, no final eu dou algumas dicas. O negócio é bem baseado em tentativa e erro mesmo, pois não tem como prever muito bem um resutado final da coisa a não ser vendo como ficou a foto e fazendo os ajustes para não errar nas próximas. Lembre-se sempre: o tempo é sua prioridade, ao invés de mexer nele, mexa no diafragma ou no ISO.

Velocidade: 30 seg
Diafragma: ƒ/4.5
ISO: 1000
Distância focal: 24mm
Lente: Canon 24-70mm f/2.8 L USM

A regra é clara: sem tripé você não faz nada disso, então arrume um tripé ou um apoio para deixar sua câmera paradinha. O primeiro passo é colocar o modelo no lugar onde ele irá fazer o desenho com a luz e fazer o foco (pelo fato de estar tudo escuro, seu foco automático (AF) não irá funcionar, então peça ao modelo que coloque a luz da lanterna na cara para que você possa focar), depois disso faça um teste: coloque um ISO 320, f/4 e 20″ de exposição. Bata a foto e peça para o modelo fazer um desenho com uma lanterna, necessariamente nesta ordem. Então a paritr daí temos as seguintes opções:

Se ficou muito escuro, você tem duas opções, abrir o diafragma ou aumentar o ISO. Caso você esteja em um cenário bonito (como no caso da minha foto: uma praia) e queira pegar o fundo que não está iluminado, aumente o ISO (você irá pagar o preço da granulação por isso, mas vale a pena), caso você queira manter o fundo todo escuro e só a luz em cena, deixe o ISO e abra mais o diafragma (se estiver em f/4, experimente um f/3.2)

Se ficou muito clara, você deve fazer o contrário do que foi dito acima, simples né? Para uma boa seção de Light Painting, dois fatores são cruciais: muita paciência e um bom “desenhista”.

Dicas (aqui jaz a preciosidade do post):

1. Algumas câmeras da Canon possuem uma custom function que deixa as fotos em alta exposição com menos ruído, isso te mata de curiosidade, pois o processamento da foto na câmera fica mais lento (o tempo de processar fica igual ao tempo o qual a foto ficou sendo exposta, por exemplo, se vc usou 5″ de exposição, após esses 5seg, a câmera irá demorar mais 5seg pra te mostrar o resultado, é normal intensa atividade no cartão de memória (indicado pelo led) durante este período);
2. Caso hajam duas pessoas em cena, uma para fazer o desenho e outra para posar, a que deve fazer o desenho deve ficar sempre atrás e ter menor altura, além disso, recomenda-se que ela apareca o mínimo possível;
3. Esqueça modo BULB, a não ser que você tenha um cabo disparador, pois ficar com o dedão pressionando o botão é bem cômodo porque você termina a foto junto do desenho, mas se você não tiver um tripé firme, pode dar problema;
4. Peça para que o desenhista te diga mais ou menos quanto tempo ele vai demorar para fazer o desenho, sempre coloque mais 5 segundos em cima do tempo que ele vai te falar;
5. Peça a ele também para te dizer qual o tamanho do desenho que ele pretende fazer, e mande ele se controlar para que ele não se empolgue e escreva uma letra de música do legião urbana em uma única linha, não há nada pior que ter um bom lightpainting pela metade…
6. Quando o foco estiver já feito, coloque sua lente no manual focus para que ela não refaça o foco quando você for tirar a foto, caso contrário, você terá que fazer o foco novamente logo antes de fazer a foto;
7. Essa dica é valiosa: caso o desenhista for escrever, diga a ele para não se importar com o fato de escrever ao contrário, peça para ele escrever normalmente (na câmera vai sair ao contrário, óbvio), mas quando você chegar em casa, abra o Photoshop e dê um “image > flip horizontally” nas fotos — fatalmente se o desenhista for se preocupar em escrever ao contário, ele IRÁ se confundir na hora de escrever o “S” e o “Z“, o que pode embolar o desenho e estragar a escrita.

Acho que é isso, partiu fazer Light Painting no pão de açúcar?

Esse post me dá nauseas. Vou escrever sobre um macete que aprendi para fazer fotos de mar e barcos.

Alugamos um barco e saímos, nada melhor que isso para fotografar e relaxar, estou sentindo o balançar do barco na minha cabeça até agora, sério, não recomendo ficar fotografando enquanto o barco está balançando. Hoje fiz praticamente só isso, saímos de manhã e ficamos fotografando lugares bonitos de Paraty, e por fim ainda ganhamos um bônus: o “barquinho” Paratii 2, de Amyr Klink, que custou mais de 50 milhões de dólares e viajou pela Antarctica (vide última foto do post).

Então, hoje aprendi uma dica valiosa quando você faz fotos de mar/barcos/veleiros: faça a fotometria sempre no ponto mais brilhante, trave a exposição, refaça o foco onde você deseja e faça a foto, tudo isso no modo Av para não se enrolar. Se tiver tirando foto de um veleiro, fotometre na vela sempre. Calma, vou explicar melhor:

Em primeiro lugar devemos colocar o metering mode no modo Spot, para que a medição da luz seja feita pelo ponto exatamente onde você quer: no centro do quadro, assim você consigue obter o resultado com mais precisão (eu já escrevi sobre metering mode, clique aqui para ver o post, vale a pena). Por conta da luz do Sol bater no mar, rola muito reflexo, e nesse caso é melhor pegar os detalhes claros do que os escuros, nem que os ajustes de Shadows sejam feitos depois: então para que nossa foto não saia estourada no branco, devemos mirar sempre no ponto mais claro do reflexo, nas câmeras da Canon existe um botão que trava o tempo de exposição, se chama AE Lock (auto-exposure lock) e geralmente é indicado por um * (vide foto abaixo com seta vermelha), devemos usar esse botão para que o tempo de exposição não se altere. Funciona da seguinte maneira, você foca no centro na luz mais branca que ofusca tudo, aperta esse botão e faz sua foto normalmente, a câmera vai calcular a fotometria baseada naquele primeiro ponto que você “calibrou” quando apertou.

Botão AE Lock *

Então, como disse no início do post, aqui estão algumas fotos tiradas usando esse macete, espero que gostem!

No fisheye fica ainda mais difícil, pois o highlight branco fica mais “longe” de focar para travar a fotometria

Gosto dessas composições meio malucas com fisheye também

Essa foto não possui nenhum tipo de ajuste em Lightroom nem Photoshop, repare que a fotometria está correta e agradável, nenhum ponto estourado

E por fim, o nosso barco que custa 10x o valor de um apartamento mobiliado na Vieira Souto, o Paratii 2, com um capricho de Photoshop, claro :)

Vocês não tem noção de como esse veleiro é grande, o casco dele é de alumínio e ele é lindo, merece uma edição dessas!

Deixe-me saber se esse post ficou confuso! Tenham uma boa noite!

Esse post é ao som de Ju Sandres tocando “Faz parte do meu show, de Cazuza” no violão.

Sempre gostei muito dos álbums de fotografia da vovó, eles são um charme total, existe um chamado Portugal 1974 (mentira, mas se existisse iria ser irado): aquelas fotos amareladas, com os cantos arredondados à tesoura, a assinatura do laboratório de impressão no verso e até mesmo os furinhos nos cantos que revelam o fato de que tais registros já foram reféns dos quadros de cortiça.

Após o café da manhã, o qual me tomou 50 minutos de pura atividade maxilar, tive uma idéia bem legal: meu album de fotos da viagem deste ano vai ser uma parada retrô, que nem os álbuns de vovó; não que os álbuns sejam, mas assim estão hoje. Pretendo editar as melhores fotos e colocar elas com um aspecto de quem foram tiradas em 1978; em seguida vou imprimir, furar as pontas em um quadro de cortiça, como se tivessem em exibição na parede da sala no auge de seu sucesso, e por fim colocar num álbum com cara de velho, ou melhor, pegar um álbum velho de fato e colocar as fotos nele, pois assim consigo o cheiro de velho. O que acham da idéia?  :)

(agora a Ju trocou a música no violão para uma música espanhola)

Bom, chega de chorumelas!! Esse é um blog técnico, então vamos ao que interessa: vou ensinar como mexer no Lightroom para dar o aspecto de foto antiga.

Foto original:

Crédito: Erica Ramalho

Primeiramente, colocamos o Lightroom no modo Develop e vamos mexer no Basic (estamos supondo que estamos mexendo em uma foto com o White Balance correto, obviamente). E lembre-se de que os parâmetros abaixo não ficam bem em qualquer foto, devendo assim ser feito um ajuste fino depois de tudo!

1. Coloque o Temp e o Tint em 4549 e -12, respectivamente;
2. Aumentamos o exposure para +1.57;
3. Fill Light pra +25;
4. Blacks vai pra 6;
5. Brightness +44 e Contrast pra +26;
6. Vibrance para -78 e Saturation para -29;

Não mexa em nada no Tone Curve e deixe as cores como estão, pois iremos mexer no Split Toning, e esse é o grande macete da Preset, vamos ver agora o que devemos fazer em relação a cor no que diz respeito aos Highlights e Shadows.

7. Coloque os seguintes parâmetros no Highlights: 60 de Hue e 59 de Saturation, isso causa um efeito com uma cor meio esverdeada/amarelada nos highlights;
8. No Shadows, coloque os seguintes parâmetros: 33 de Hue e Saturation 58, isso causa uma cor meio sepia nos shadows;

Caso a foto fique muito esverdeada ou muito amarelada, procure atenuar a matiz (Hue), colocando cores menos verdes ou amarelas, ou talvez diminuindo o Saturation.

Ok, agora temos uma foto amarelada, falta colocar a borda em volta, faremos isso utilizando o Vignettes, lembrando que as opções mais avançadas de Vignettes foram introduzidas a partir do Lightroom 2.0, ou seja, se você tem a versão anterior a 2 do Lr, provavelmente a interface não será igual à imagem abaixo e você não terá essas opções, inclusive recomendo fortemente o upgrade para a versão 2, já que foram incluídas algumas funcionalidades no que diz respeito a edição de foto, como pincel de ajuste e filtro gratuadivo.

9. Coloque os parâmetros como os da imagem abaixo, para alternar entre a borda branca ou preta, você deve mexer no Post-Crop Amount, onde -100 indica preto e +100 branco, os valores do meio causam uma transparência que também pode ficar agradável dependendo do que você deseja obter como resultado, mexa bastante nesses parâmetros de Vignettes que você irá descobrir que o Lightroom permite uma boa manipulação quanto a isso (lembre-se, somente o Lightroom 2 ou superior).

O resultado final sairá algo parecido com uma foto antiga, claro que existem alguns plugins mais poderosos para o Photoshop que simulam deterioração, ou seja, fazem bordas queimadas, marcas de mofo e arranhões nas fotos; esses deixam tudo mais perfeito e mais próximo de um fotograma antigo, mas se você está viajando e não tem muito tempo para ficar brincando com Photoshop, ou precisa montar rapidamente um álbum de fotos “antigas”, ou então não quer ter o trabalho de abrir foto por foto no Photoshop (eu não confio em Actions, hahaha sempre dá merda), use o Lightroom, pois a aplicação de preset em cada foto é tão simples quanto clicar um botão no mouse!

Bom, agora que eu já ensinei o caminho das pedras, disponibilizo para vocês a Preset que eu fiz chamada “Dill Old”. Claro que o caminho das pedras tinha que vir primeiro! Download

No próximo post falarei sobre Light Painting, que consiste basicamente em fazer uma longa exposição no escuro e fotografar o rastro de uma luz propositalmente posicionada afim de fazer desenhos! Ontem fizemos uma seção de Light Painting aqui em Paraty, lá no cais, foi muito legal!